decor
Следите за нашими новостями

Талант, темперамент и вкус старых мастеров

14.08.2018

В июле 2018 года гостем редакции журнала «Мир искусств» стал художник, выпускник Московского государственного академического художественного института имени В. И. Сурикова, участник множества российских и зарубежных выставочных проектов, преподаватель Рустем МИРХАСАНОВ. Темой беседы стали тайны «творческой кухни» старых мастеров, обеспечивающие высочайший художественный результат минимальными средствами. Сегодня знание технологий старых мастеров необходимо и для понимания замысла художника, и, особенно, при реставрации картины.

В далекие 90-е годы я был некоторый период знаком с Алексеем Владимировичем Сёминым, который очень интересовался антикварной мебелью и живописью старых мастеров. По его предложению мы вместе ходили к пожилой жительнице Казани, которая опубликовала объявление в газете по обмену старинного секретера с мраморной столешницей на новый предмет мебели. Благодаря этому увлечению Казань располагает теперь уникальным общедоступным собранием.

– Посетители Выставочного центра Международного института антиквариата – и знатоки, и любители, и те, кто пришел случайно, за компанию, неизменно восхищаются живописью старых мастеров и одной из причин воздействия картин называют некий секрет мастерства, который утрачен современными художниками. Что Вы об этом думаете?

Восприятие изобразительного искусства прошлых веков требует от зрителя некоторой подготовки. Когда я был маленький, то спрашивал своего отца, художника по профессии и моего первого учителя: «Почему современные художники не пишут так же, как старые мастера? Не передают максимально достоверно факты, транслируемые человеку окружающим миром, чтобы это было понятно неискушенному зрителю?

Хотелось бы сразу оговориться и поставить точки над «i». Сегодня нельзя работать как «старые мастера», выставляя имитацию их условного изобразительного языка как собственное авторское творчество, нельзя писать картины на современные темы, используя подражание условному изобразительному языку прошлой эпохи. Это прямой путь к созданию эклектичного безвкусного произведения – китча.

Еще одно страшное для меня слово – манера и стиль. Стиль имеет отношение к архитектурной эпохе, продуктам модной индустрии. В изобразительном искусстве эти слова – симулякры, приводящие к еще более некорректным терминам – манерность и стилизация, «в стиле такого-то художника».

Удивительным для многих любителей живописи окажется бесспорный для профессионалов факт, что Поль Сезанн – это не только великий реформатор импрессионизма, но и продолжатель традиции старых мастеров, особенно Николя Пуссена. Восторгался Поль Сезанн и Вермеером Делфтским. Если мы сегодня будем говорить о светотональном композиционном рельефе, то Сезанн – это яркий представитель живописного цветового рельефа.

– Темы, сюжеты работ старых мастеров так же воздействуют на современных зрителей, как и в период их создания?

Темы работ старых мастеров в большинстве своем основаны на сюжетах Ветхого и Нового Завета. Вечны и неизменны темы для современных мастеров и художников прошлого: «Мать и дитя» современного художника – это «Мадонна с младенцем» старых мастеров, «Любовь мужчины и женщины» у современного живописца – это «Адам и Ева» в живописи Наследия. Вечные темы: «Художник и модель», «Дары природы», «Человек и сказочный мир» – мифологический жанр старых мастеров… Загадочная, таинственная, опасная, но всегда прекрасная природа… Батальный жанр, исторический жанр…

3174
Тозини, Микеле (Гирландайо, Микеле ди Ридольфо дель)
Мадонна с младенцем и Иоанном Крестителем
Италия, XVI в.
Холст, масло, 87×69 см
БСИИ ASG, инв. №04-3174

1363
Лавалье, Гекс де
Акид, Галатея и Полифем
Фландрия, XVII в.
Медь, масло, 21×14 см
БСИИ ASG, инв. №04-1363



2922
Варотари, Алессандро
Адам и Ева
Италия, XVII в.
Холст, масло , 99×140 см
БСИИ ASG, инв. №04-2922

1329
Гамелен, Жак
Атака кавалерии
Франция, XVIII в.
Холст, масло, 66×91 см
БСИИ ASG, инв. №04-1329



Но писать, рисовать сегодня, как старые мастера, используя их условный изобразительный язык в дискурсе прямого подражания, внешнего копирования нельзя категорически. Это дорога к китчу, безвкусице. Мои педагоги в Суриковском институте говорили просто и очень верно: «Ты же современный человек, ты не ездишь по городу в повозке, запряженной конями и не носишь на голове цилиндр…».

Изменился мир вокруг нас: музыка, танец, архитектура, транспорт, до небывалых размеров увеличилось информационное поле, доступное для восприятия, просто ускорилось время. И живопись должна быть другой – современной.


Мастер266
Рустем Мирхасанов проводит мастер-класс по живописи в технике гризайли для студентов КФУ


Учащиеся и студенты системы СПО – ВУЗ могут и должны копировать работы старых мастеров в учебных целях. Копии выполняются либо непосредственно с оригинала, либо с хорошей факсимильной печати, могут быть исполнены копиистом как максимально приближенными к оригиналу, так и «вольными». Польза для обучающегося будет в любом случае.


Копия267
Мирхасанов Р.Ф. Копия с картины Яна Ван Дейла,
выполненная в период ученичества в МГАХИ им. В.И. Сурикова


При этом мои педагоги легендарные классики советской живописи, основатели сурового направления в искусстве Николай Иванович Андронов и Павел Федорович Никонов всегда призывали студентов анализировать работы старых мастеров, выполняя графические схемы и работая над вольными копиями. В Большом собрании изящных искусств ASG хранится прекрасная картина Робера «Разорители гнезд», представляющая интересный объект для анализа композиционного замысла.

1769
Робер, Гюбер
Разорители гнезд
Франция, XVIII в.
Холст, масло, 162×94 см
БСИИ ASG, инв. №04-1769

Тон268
Удивительный «перламутрово-серебристый» тон
картины обеспечен, по мнению Рустема Мирхасанова,
цветным грунтом, просвечивающим сквозь красочный слой



1769_2

Пример269

Мирхасанов Р.Ф. Пример учебной аналитической деятельности в русле изучения композиции
в работе Гюбера Робера. Выполнен схематический графический анализ (СГА), который
позволяет попытаться рассмотреть возможный ход мысли художника


  1. Художник «прошивает» извилистой вертикалью – «молнией» (вертикаль ствола дерева – линия облаков) всю композицию и не дает ей двигаться («плавать») в формате. Теперь она жестко зафиксирована художником в рамках формата и неизменно повторяется, хотя Робер возвращался к этому сюжету не раз, менял детали, сохраняя раз и навсегда найденный композиционный замысел.
  2. Художник выполнил разбивку (классификацию) всей живописи на три светотональные градации.
  3. Художник наполнил формат картины многочисленными S- образными линейными пластическими элементами.
  4. Художник транслирует зрителю образ жизни и смерти. Обломанный кусок ствола дерева напоминает о возможности смерти в прекрасном мире. Это и дети – символ жизни и одновременно символ разорения гнезд птиц – шалость, приносящая беду птицам.
  5. Художник возможно применил серый грунт, который обеспечил вместе с последующими лессировками прекрасный серебристый колорит картины.

2120
Моннуайе, Жан-Батист и мастерская
Натюрморт с виноградом
Франция, XVII в.
Холст, масло, 79х123 см
БСИИ ASG, инв. №04-2120

Модуль270
Мирхасанов Р.Ф. Схематический графический анализ (СГА)
Моннуайе, Жан-Батист и мастерская. Натюрморт с виноградом.
Обратите внимание на построение всей площади формата
с помощью различных по объему модулей треугольной формы.




Эскиз271
Эскиз Левитана И.И. к картине «Над вечным покоем»


Покой1
Исаак Левитан
Над вечным покоем (1894)
Холст, масло, 150×206 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва

Покой2
Мирхасанов Р.Ф. Анализ композиционного построения
картины Левитана И.И. «Над вечным покоем»



Схема1
Мирхасанов Р.Ф. Схематический графический
анализ (СГА) картины Левитана И.И. «Над вечным покоем»

Схема2
Мирхасанов Р.Ф. Схематический графический
анализ (СГА) композиционного построения картины
Левитана И.И. «Над вечным покоем»



В современной живописи существуют замечательные примеры красивого грамотного использования условного языка старых мастеров. Это, например, замечательные полотна Татьяны Григорьевны Назаренко (академик РАХ, Народный художник РФ, лауреат Государственной премии РФ), своим условным изобразительным языком отсылающие нас к живописи Северного Возрождения. Ее можно смело назвать современным классиком живописи, так как она говорит «языком» старых мастеров, оставаясь при этом современным художником.

Пабло Пикассо в своей «Гернике» так верно использовал античные классические источники, что его абсолютно заслуженно называют истинным классиком современной живописи. Как живописец Пикассо преклонялся перед Пуссеном. Обратите внимание на кубическую форму скалы в картине «Пейзаж с Полифемом», посмотрите на куб, на котором сидит гимнаст, на шар, на котором балансирует прекрасная фигура девушки, похожая на античные скульптуры, в картине Пикассо «Девочка на шаре». Обратите внимание на членения модулей формата, на плавные танцующие линии, которые называются линейной пластикой. Линии музыкально извиваются, перекликаются.

Бесподобно обыграны в гениальной живописи Роберта Фалька элементы условного изобразительного языка Вермеера Делфтского, Рембрандта и Сезанна.

– Литература изобилует примерами, когда, выполняя учебное задание на пленере, будущие художники показывали учителю совершенно разные пейзажи, хотя местность в картине воссоздавалась узнаваемой. Иными были искусственная художественная форма», архитектоника построения картины». Какой смысл Вы вкладываете в эти понятия?

Искусственная художественная форма – это произведение, созданное человеком-творцом по подобию естественного организма, созданного Природой по гармоничным и разумным законам. Картина хорошего «интеллектуального» художника построена как прекрасное здание и гармонична, логична как любой природный организм.

Искусственная художественная форма состоит из двух неразделимых частей – сюжетной и композиционной. Вычленяя композиционную часть и анализируя ее посредством линии и «трехтональных» пятен (черные, серые и белые тональные пятна), можно изучать архитектонику построения работы почти любого классика изобразительного искусства.

Например, советский и российский живописец, монументалист, педагог, один из основоположников «сурового» направления советского изобразительного искусства Андрей Владимирович Васнецов и в своем творчестве, и в педагогической практике опирался на схематический графический анализ работ старых мастеров.

Чудо1
Франсиско Сурбаран «Чудо святого Гуго Гренобльского»

Чудо2
«Чудо святого Гуго Гренобльского» работы Сурбарана
было одним из источников восхищения Васнецова, который
выполнял вольные копии картин великого испанского живописца




Святой272
«Святой Франциск».
Вольная копия картины Сурбарана, выполненная Васнецовым


Андрей Владимирович Васнецов – академик АХ СССР, лауреат Государственной премии СССР – замечательный педагог и внук великого русского художника Виктора Васнецова.

– Что такое условный изобразительный язык?

Условный изобразительный язык – это язык искусства живописи, скульптуры и других видов изобразительного искусства, переводящий прекрасный и богатый мир божественной природы, окружающей нас, на очень скудный и скромный по материальным средствам и возможностям красящих материалов язык картины:

  1. Плоскость картины – трехмерность природных объектов.
  2. Ограничения материалов живописи, скульптуры, архитектуры…
  3. Требования исторической эпохи, личные авторские предпочтения художника и т.д.

Современная живопись XX-XXI столетия, мощно развивающаяся в плане композиционной формы, в свою очередь испытывает определенное давление агрессивного и броского «технически подкованного» искусства будущего – дизайна, искусства, подминающего под себя все классические виды искусств. Вспомните недавние шоу с показом картин Клода Моне, Ван Гога на огромных экранах. Да, это прекрасно, это здорово. Хорошо, что люди проявляют больше интереса к творчеству художников. Но это не тихая, скромная живопись, которая образуется при проникновении лучей света сквозь лак и прозрачные в определенной степени слои красящих смесей, отражении лучей от белого или цветного грунта и возвращении их в глаз зрителя. То, что мы видели на экране стен создано электронными лучами проекторов. И это другое искусство! Это видео, фото. Это – дизайн!

– Цифровая копия картины имитирует даже приставшие к красочному слою волоски кисти, и все равно она бездушна, дизайн ориентирован не на индивидуальность, а социум. А насколько современные художники являются продолжателями традиций старых мастеров?

Парадокс заключается в том, что Пабло Пикассо и Казимир Малевич с его «Черным квадратом» – продолжатели великих мастеров прошлого. Если обратиться к «трехтональным» эскизам гениального художника, любимца королей, стоявшего у истоков классицизма Николя Пуссена, то можно увидеть, что «Черный квадрат» Малевича – это предел, тупиковая вершина или «ветвь» развития композиционной формы в изобразительном искусстве. Более ста лет его живопись является образцом предельного выражения нефигуративной картины. Более ста лет этот последователь великого Пуссена, сам ставший классиком современного искусства, будоражит умы зрителей, которые говорят: «Я тоже так могу! Что это за картина?». Малевич своим творчеством вводит в ступор не только зрителей: зачем искусствоведам нужно было описывать обнаруженное изображение под черной краской квадрата самого знаменитого нефигуративного (без изображения) полотна? Именно эволюция композиционной формы во времени (объективный исторический процесс) в мировом изобразительном искусстве и привела к появлению «Черного квадрата» Малевича.

– Что такое композиционная форма?

Это жутко интересный термин, как и все термины очень различно воспринимаемый и транслируемый как практиками, так и исследователями живописи. Мой подход к трактовке термина я выразил в графической схеме картины Пуссена «Пейзаж с Полифемом». Композиционная форма вкупе с ее сюжетной частью образует искусственную художественную форму, новый искусственный организм, созданный художником. А одним из ярких проявлений композиционной формы является «тональный» или «цветовой» рельеф.


Пейзаж273
Николя Пуссен «Пейзаж с Полифемом»


Рельеф274
Мирхасанов Р.Ф. Схематический графический анализ (СГА)
картины Пуссена «Пейзаж с Полифемом». Выделен трехтональный
композиционный рельеф и членение формата картины модульной сеткой 4X3 квадрата

Анализ275
Схематический графический анализ (СГА) (линейная составляющая
композиционного построения) картины Николя Пуссен «Пейзаж с Полифемом»



– Почему художники постоянно обращаются к наследию старых мастеров, пусть и в не узнаваемом для большинства виде?

Это образцы техники и технологии живописи, образцы сохранности и качества добротных материалов, то есть великолепное наглядное учебное пособие для повышения ремесленного мастерства. Изучение очень скромных по современным меркам красителей, которые виртуозно и очень грамотно (в русле технологических процессов) применялись на протяжении столетий.


Хранитель276
Главный хранитель Международного института антиквариата Елена Власова:
«Схематический графический анализ произведений старых мастеров, раскрывающий
замысел автора, поможет при реставрации картины с большим объемом утрат»


Получение данных знаний современным художником приводит к так называемому «расширению палитры». Художник, используя рачительно и грамотно скудный «рацион» земляных красок на палитре и возможности цветных грунтов и гризайли, осознает богатые возможности палитры красящих материалов, которые он может в итоге использовать. Это конечно же гризайль из черной или коричневой краски, имеющая тепло – холодность отношений – т.е. уже настоящую живописность в коричнево – белом или черно – белом состоянии.

– Долгий период формализм был понятием оценочным, а Вы используете его как технологическую составляющую творческого процесса?

Это очень важный вопрос в терминологии изобразительного искусства, который очень часто некорректно трактуется и некоторыми теоретиками, и неправильно информированными практиками искусства. Этот термин имеет и политическую подоплеку: связан с государственными режимами, гонениями очень известных сегодня в мире художников. В обиходе это слово имеет явно негативную окраску. «Формально» в литературном смысле этого слова – это спустя рукава, «для галочки». В науке об искусстве это важный термин, имеющий смысл геометрической, математической, аналитической композиционной деятельности. По сути «формализм» – это сама аналитическая композиционная деятельность по поиску оптимальных средств. Форма неразрывно связана с содержанием. Об этом всегда говорили мои учителя. И когда меня назвали уважаемые мной художники композитором в живописи, то я был счастлив. Это именно то, что я вижу и понимаю под словом «формализм» в искусстве.

Формализм имеет и важнейшие основы в эстетике, корреспондируя нас к философским спорам Платона и Аристотеля о главенстве содержания или формы.

– У Вас есть свое определение гениальности в живописи?

Мои педагоги говорили о непрерывной линии развития композиционной формы в мировом изобразительном искусстве, о художниках, которые стоят своеобразными вехами в ряду великих живописцев. Это Сурбаран, Эль Греко, Тициан, Рембрандт, Рубенс, Николя Пуссен, русский художник Григорий Сорока, Поль Сезанн и др. Знаменитый «шестидесятник», предтеча сурового направления в советском искусстве Николай Иванович Андронов выделял среди всех работ Леонардо его «Мадонну в гроте». Перечень признаков гениального художника краток: очень крупный талант, огромный темперамент, безупречный вкус. Под вкусом они, по моему мнению, понимали и интеллект, и чувство новизны и важности своей эпохи. Все это не должно позволить художнику впасть в китч.

При этом мои учителя отмечали необходимость отсутствия у гениального художника коммерческой составляющей. Гений по сути своей в идеале должен быть бессребреником. Как положительный пример они приводили то, что великий живописец Роберт Фальк не смог справиться с заказным портретом. По словам моих педагогов, гений Рубенса, Рембрандта (периодически коммерчески очень успешных художниках) проявлялся особенно ярко именно в некоммерческих, «незаказных» работах, выполненных не с помощью подмастерьев, а индивидуально.

– Уважаемый Рустем Фаритович, мы благодарим Вас за такую интересную беседу, после которой смотришь на картины нашего собрания совершенно другими глазами. Поэта ограничивает стихотворный размер, композитора – законы гармонии, но то, что художник видит будущую картину в мельчайших деталях еще до грунтовки холста, как-то ускользало от понимания. Я уверена, что нашим читателям будет интересен не только рассказ, но и показ техники старых мастеров в формате мастер-класса.



Светлана БОРОДИНА
Елена ВЛАСОВА (фотографии)

Поделиться: